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Projection Mapping Facade Design Essay by Christina Lanzl

8/30/2020

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​Design Innovation in Architecture:
The Spatial Augmented Realities of UrbanScreen
Essay by Christina Lanzl

Edition Menges has published a new anthology by Anne-Catrin Schultz, Associate Professor of the Department of Architecture at Wentworth Institute of Technology. Through her research she realized that the condition of »fake« and »real« in architecture is rarely publicly discussed nor has it encountered broad journalistic or scholarly attention. This book explores the realm of truth, authenticity and fakery in architecture, providing a timely collection of analytical essays and projects. The authors challenge our perception of »authenticity« through the examination of built and simulated environments, architectural fiction, theatric illusions and mannerist trickery. Expanding from the discussion about truthful materiality and tectonics, this book provides an understanding of real, authentic, and fake in urbanism and architecture.

The diverse contributions shed light on unexpected identities in architecture inviting critical thought about our built environment–analog and digital. Editor Anne-Catrin Schultz invited colleagues and friends to contribute essays: Dan Hisel, Morgan McMahon, Nicole Lambrou, Christina Lanzl, Eric Lum, Jennifer Lee Michaliszyn, Tom van Arman, Justin Vigilanti and Kemo Usto. Featured also are projects by Rima Abousleiman, Stefan Al, Alun Be, Kelly Hutzell and Rami el Samahy, Mat Maggio, Jessica Ronayne, Gregor Sailer, Allen Spore and Edoardo Tresoldi.

The authors challenge our perception of »authenticity« through the examination of built and simulated environments, architectural fiction, theatric illusions and mannerist trickery. They examine the notion that the principle of Sullivan’s »form follows function« contains a paradox caused by the ambiguity and complexity of architectural expression. Buildings are perceived through an individual’s personal experiences while also being interpreted along broader cultural values. The works shown demonstrate that under scrutiny, any built environment harbors both, reveals moments of truth, deception and ambiguity – all of it partially in the eye of the beholder.

The goal of this publication goes beyond unmasking deception in architecture, it aims at unfolding time-lines and revealing the layered nature of people and places. The images and essays reveal our contemporary condition and let collective and individual narratives unfold, a range of truths in themselves. Expanding from the discussion about truthful materiality and tectonics, this book provides an understanding of real, authentic, and fake in urbanism and architecture.

Publication:
Anne-Catrin Schultz (editor). Fake and Real in Architecture: Close To The Original, Far From Authenticity? Stuttgart: Edition Menges, 2020: 131-140.


​Design Innovation in Architecture:
The Spatial Augmented Realities of UrbanScreen
Abstract | Essay by Christina Lanzl

Design innovation in architecture frequently is the result of a continual, thoughtful consideration of human habitation, its evolution, research and experimentation. The innovation of materials in architecture and design is tested at a smaller scale, where experimentation can happen on modest budgets, in the incubator atmosphere of a workshop environment. Artistic applications and the internet, exhibitions and temporary installations or tradeshows serve as a platform to introduce new ideas, materials or groundbreaking scientific research to a public audience for the first time. At a large scale the intersection of research and innovation increasingly occurs in virtual environments, where ideas can be visualized without the pressure to invest in construction. This phase of theoretical application usually precedes prototyping or, at times, it may occur simultaneously.

 
A most promising new technology with potential for development of neoteric applications for building façades is projection mapping, a process that maps projected light on the surface of any 3D form. The types of “fake” architectural façades (skins) thus created offer an opportunity for innovation in architectural design and permanent construction.

Projection mapping is a burgeoning field. Therefore, this essay is limited to a case study approach. Particularly noteworthy are the architecturally inspired, “fake” designs by UrbanScreen, a cutting-edge practice based in Bremen, Germany since 2005. UrbanScreen creates cataclysmic possibilities of architectural design as spatial augmented realities that are projected onto iconic buildings. Opera Sydney in Australia, Romania’s Palace of Parliament in Bucharest, Houston’s Rice University, the Leopold Museum in Vienna/Austria and Kunsthalle Hamburg in Germany have staged dazzlingly symphonic and imaginative choreographies developed by the firm. The development of a generally poetic and magical theme on each of these buildings offers fertile ground for exploration.
 
UrbanScreen concepts offer innovative visions for kinetic façade design leading to a series of relevant analytical questions. Which bright ideas may architectural designers deduce from temporary visualizations? Can the production of projected visuals and motion design inform permanent applications or, may this already have occurred? What kind of questions may arise concerning the digital interface and software codes when converting a projected to a static design? Can the visual drama and theatricality of a night-time projection that also features mesmerizing music and sound components be transformed into the design of a building envelope? This essay is intended to shed light onto these queries into fake architecture.
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Toward a New Paradigm by Christina Lanzl in Extraordinary Partnerships Book

8/9/2020

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Lever Press has published a new pathbreaking book on the humanities, Extraordinary Partnerships: How the Arts and Humanities are Transforming America, edited by Christine Henseler, Chair of the Department of Modern Languages and Literatures and Co-Director of 4Humanities at Union College. Her "inspirative and hopeful collection demonstrates that the arts and humanities are entering a renaissance that stands to change the direction of our communities." (book jacket)

​Among the authors are Kim Cook of the Burning Man team, Ella Maria Diaz of Cornell University, Ari W. Epstein of Massachusetts Institute of Technology, Doris Sommer of Harvard University as well as Christina Lanzl of the Urban Culture Institute. Her essay, Toward a New Paradigm: Public Art and Placemaking in the Twenty-First Century, is featured in part 1 of the anthology, Toward a New Common Humanity: Creating Space, Context, and Moment.

Christina Lanzl, initiator and co-author of the Placemaking Manifesto, applies its six principles from her professional practice and research to highlight examples of extraordinary partnerships. These public art and placemaking initiatives, created in partnership with diverse communities, offer key insights, provide tips and offer potential for new endeavors.

The six principles anchored in the Placemaking Manifesto:

1. Placemaking = Quality of Life
2. Placemaking = A Sense of Place
3. Placemaking = Caring About the Community
4. Placemaking = Collaboration and Communication
5. Placemaking = Active Participation 
6. Placemaking = Tradition and Innovation

Publication:
Christine Henseler (editor). Extraordinary Partnerships: How the Arts and Humanities Are Transforming America. 
Amherst: Lever Press, 2020: 108-148.
The book is available as an open resource.
Abstract – "Toward a New Paradigm: Public Art and Placemaking in the Twenty-First Century" by Christina Lanzl
 

Quality of life and caring about community are at the core of a contemporary movement, which is increasingly becoming a grassroots-driven approach to consciously embrace the places we inhabit: Successful placemaking, the arts and culture––in short, ways for people to engage in public––are at the center of thriving, functioning neighborhoods. How can we create successful public places that provide all with powerful incentives for active participation? Which tools can we employ to ensure diversity and inclusivity? What kind of hands-on processes can be utilized? Are there universal platforms for discourse? Which creative activities and solutions produce improved, shared environments? This essay will look at strategies that encourage inclusive neighborhoods with ways to bridge the past, the present and the future. 

Placemaking activates our lived environment, offers cultural grounding and sense of place. Makers of all disciplines come together to think, plan, create and celebrate together. Storytelling is key to sharing community and place. Stories introduce ways to deal with difficult pasts, bridge differences and celebrate our common humanity. How are digital and social media as well as grassroots communication used to further community building? How can our built environment––architecture, open space, landscapes or parks, public art, and infrastructure be activated without being overbearing or becoming stale?

The new paradigm of placemaking is to eliminate professional boundaries, to bring together professionals with engaged citizens of all ages, backgrounds and abilities. Everyone can contribute to community, in both urban and rural contexts. Methodology and practice will complement case study examples to underline approaches and various perspectives. Experience shows that placemaking practice is overcoming the limitations of individual disciplines that have traditionally served to design and activate public spaces, such as architecture, urban design, landscape architecture, arts and community or social programs
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Intermedialität im Brennpunkt: Medientransfer in der Kunst am Beispiel von Julian Opie

9/24/2014

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Zahlreiche zeitgenössische Künstler bewegen sich in ihrer künstlerischen Entwicklung von einem Medium ausgehend zur Installation und Kunst im öffentlichen Raum, darunter Via Lewandowsky, Julian Opie oder Doug und Mike Starn. Diese Intermedialität zeigt sich besonders bei Künstlern, die im öffentlichen Raum aktiv sind und damit aus den „klar separierten ‚Monomedien’”[1] ausbrechen. Davon ausgehend untersuche ich das Phänomen der Intermedialität anhand des britischen Künstlers Julian Opie. Der 1958 in London geborene Künstler ist dokumentiert als der erste Künstler, der ausschließlich mit Software arbeitet. Er wird inzwischen als Vertreter der New British Sculpture angesehen, kam aber ursprünglich von der digitalen Malerei. Sein Werk umfasst außerdem Filme, Multiples, Musik und Texte.

Stand der Forschung
Intermedialität bezieht sich auf interdisziplinäre Beziehungen in Bildender Kunst, Literatur, neuen Medien und Kommunikationswissenschaften, wobei nach Schröter mindestens zwei Medien verlinkt werden, allerdings begrenzt er den Begriff auf Disziplinen, z.B. Fotografie und Text, Film und Malerei. Anwendbar ist die von Schröter in seinem Essay "Discourses and Models of Intermediality" aufgezeigte Gattung der „transformierenden“  Intermedialität, die „Prozesse der Repräsentation“ aufzeigt, d.h. die Repräsentation eines Mediums durch ein anderes.[2] Vor Schröter stellte Helbig bereits 1998[3] das Problem dar. Ryser stellte  eine umfassende Historie des Diskurses zusammen.[4] Grundsätzlich entsprang der Ansatz der Entwicklung neuer Medien wie Film und Digitalkunst, weshalb die vergleichende Forschung die Herkunft der Begrifflichkeit bisher nicht auf die Intermedialität zwischen den Genres der bildenden Kunst untersuchte.

Ausgehend von der Limitation der Medien- und Literaturwissenschaftler Schröter, Ryser, und Helbig schlage ich die Ausweitung der Intermedialität innerhalb der Kunstwissenschaft vor. Dieser Ansatz wird auch von Bennett unterstützt: "…works embody […] a tendency in contemporary practice to operate between media (and between all kinds of semiotic codes). The old descriptors of ‘mixed media’ and ‘appropriation’ are inadequate in the characterization of such practice, which is more readily captured by the concept of ‘intermedia’ – a term which implies more than the internal differentiation or mixing of media that occurs within art itself. Realized as the intersection of different practices, technologies, languages and sign systems, intermediality posits a broad transdisciplinary sphere of operation."[5] Wie Bennett bereits andeutet, bietet eine Erweiterung der Intermedialität auf die Kunstgattungen beim Vergleich des Transfers bildlicher Inhalte neue Ansätze. Opies Œuvre kann repräsentativ als Fallbeispiel für die Intermedialität von Fotografie, Malerei, Skulptur und anderen Medien gelten.

Die intermediale Digitalkunst Julian Opies
Die abstrahierten Digitalgemälde von Julian Opie entstanden seit 1997 intermedial als Glaskunst, Lichtkunst und Skulpturen. In München installierte er 2001 in Zusammenarbeit mit Andreas Horlitz[6] und der Mayer’schen Hofkunstanstalt zwei Schmelzglas-Porträts im WWK Versicherungsgebäude (Abb. 1, 2). Die Floatglassarbeiten stehen in enger Verbindung mit Porträtserien (Abb. 3) aus der gleichen Schaffensperiode mit dem Unterschied, dass die Farbgebung der Auftragsarbeiten mit Weiß und Schwarz auf das Minimalste reduziert ist. Ursprünglich angesiedelt in der Pop Art, interpretiert Opie den Alltag in seiner ausschließlich digital basierten Kunst. Seine Computergrafiken sind zeitgenössische Interpretationen der Porträtkunst und Malerei, gut dokumentiert sowohl in Monografien des Künstlers als auch in Ausstellungskatalogen.[7]  In Bezug auf die Intermedialität stellt Kliege zutreffend fest: „Ein einzelnes Motiv ist nicht mehr an einen Träger gebunden, sondern repräsentiert sich in allen möglichen Erscheinungsformen.“[8] Sie hält die Beobachtung fest, verfolgt die Sachlage der intermedialen Applikation aber nicht weiter.

Über sein bisher einziges deutsches Auftragswerk in Glas hinaus begann Opie seine LED-Installationen zu entwickeln, die sich ebenfalls auf die Konturen eines „Porträtierten“  beschränken und damit leicht übertragbar sind. Mit der LED-Kunst weitet Opie sein Repertoire weiter aus und bekräftigt seine Stellung als intermedial arbeitender Künstler. Seine tanzende Ann Dancing (Abb. 4) im Kulturviertel von Indianapolis wurde 2007 entlang des Indianapolis Cultural Trail platziert. Mit dem einfachen Mittel eines Bewegungsablaufs belebt diese in der Lichtkunst anzusiedelnde Animation den öffentlichen Raum sehr eindrucksvoll.

Zwei weitere Zyklen Opies stehen in intermedialer Beziehung zu den Lichtinstallationen. Die Skulpturengruppe Caterina dancing naked (Abb. 5) steht in direktem Bezug zu der LED-Animation Ann Dancing, wobei die verschiedenen Rahmen der Animation als Serie von Einzelfiguren in Form von großen Metallarbeiten verwirklicht, ausgestellt von der Lisson Gallery in London 2012. Ein weiteres Beispiel bietet Aniela Bathing 1 von 2013 (Abb. 6). Dabei handelt es sich zum einen Siebdrucke auf grundiertem Holz, die identisch mit verschiedenen Materialen in unterschiedlicher Größe realisiert wurden. Das Werk existiert als kleinformatiger Siebdruck von 50 mal 50 Zentimeter auf bemalter Holztafel sowie als auf Holzrahmen aufgezogenes Vinyl mit den Maßen 220 mal 100 Zentimeter.

Die vielfältige Materialität der Arbeiten Opies sind ein direktes Produkt des Digitalzeitalters, da mit Hilfe des “Originals” in Form einer Datei viele Produktionsmethoden eingesetzt werden können. Dabei verbleibt die Datei im Besitz des Künstlers, der sich per Vertrag verpflichtet wie viele mit der Datei realisierten Objekte jeweils existieren sollen. Die Kunst wird zum virtuellen Konstrukt. Zum intermedialen Ansatz der Skulpturen äußert sich Opie: "The trained movements of a ballerina allow me to find unlikely and perfectly balanced poses. By extruding the drawings in metal the images can be both signs on bollards and statues on plinths."[9] Der öffentliche Raum, zusammen mit dem privaten Kunstmarkt, bieten immer neue Möglichkeiten der Gestaltung, ein Umstand, der die digitale, kreative und intermediale Entwicklung der Künstler vorantreibt.

Bei Opie findet eine interaktive Wechselwirkung zwischen eigenständiger Arbeit im Atelier und Auftragskunst statt. Die Frage von Beziehungsgeflechten begleiten Überschneidungen zwischen ‚traditionellen’ Kunstgattungen (Malerei, Skulptur, etc.) und der Kunst im öffentlichen Raum. Opie arbeitet zeichnerisch und malerisch ausschließlich mit digitalen Anwendungen. Dabei findet ein fortwährender, intermedialer Dialog und Austausch zu grundsätzlichen Fragestellungen der Kunst und insbesondere deren Beziehung zur technischen und wissenschaftlichen Evolutionen statt.

Anmerkungen
[1]
Jens Schröter, "Discourses and Models of Intermediality," Comparative Literature and Culture 13, no. 3 (2011). 6.
[2] Siehe ibid. 1.
[3] ———, ed. Intermedialität - Analog/Digital: Theorien, Methoden, Analysen (München: Fink, 2008).
[4] Vera Ryser, "Intermedialität," in Transdisziplinarität: Eine Bestandsaufnahme des Forschungsdiskurses (Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK), Departement für Kulturanalysen und Vermittlung, 2011). blog.zhdk.ch/trans/intermedialitat
[5] Jill Bennett, "Aesthetics of Intermediality," Art History Vol. 30, no. 3 (Jun. 2007). 434.
[6] Andreas Horlitz (geb. 1955, Grafik, Fotografie und Glasmalerei, lebt und arbeitet in Berlin und München.
[7] Siehe die Veröffentlichungen und Ausstellungskataloge:
Julian Opie: Daniel – Yes, Christine - No. München: Lenbachhaus, 1999.
Julian Opie. Julian Opie: Wallpaper, 2002. Kunst und Texte inspiriert von einem Bali-Urlaub mit Frau und Tochter.
Kliege, Melitta. Julian Opie. Nürnberg: Verlag für moderne Kunst, 2003. (Ausst.Kat. Neues Museum).
Peter Noever (Hrsg.): Julian Opie: 1958 - recent works [Publikation anlässlich der Ausstellung „Julian Opie. Recent Works“, Museum für angewandte Kunst, MAK Wien, 11. Juni - 21. September 2008]. Ostfildern: Hatje Cantz, 2008.
[8] Kliege, Julian Opie. Museum für Neue Kunst, Nürnberg, 147.
[9] "Julian Opie: Top Five," Dazed Digial. 2012.
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