Urban Culture Institute
  • Home
  • Projects
    • Worcester
    • Howes Park
    • Coppens Square Park
    • Codman Square Park
    • Gourdin Park
    • Kulturpark Berlin
    • TEMPOart
    • Ringer Park
    • Mather School Green Space
    • MBTA Red Line Wollaston Station
    • MBTA Silver Line Extension
    • Boston Children's Hospital
    • HarborArts Boston
    • Social Muscle Club
    • Memphis Art Walk
    • To Extremes
    • Art in Architecture Study
    • BSA Placemaking Network >
      • 2019 Placemaking Seminars
      • 2018 Placemaking Seminars
      • 2017 Placemaking Seminar Series
      • Placemaking Seminar Series 2016
      • Placemaking Seminar Series 2015
      • Placemaking Seminar Series 2012
      • Placemaking Seminar Series 2011
      • Placemaking Seminar Series 2010
      • Placemaking Seminar Series 2009
      • Placemaking Seminar Series 2008
  • Blog
  • Publications
  • Team
  • Maps
    • Fenway-Kenmore
    • Fort Point-Seaport
  • Contact

Toward a New Paradigm by Christina Lanzl in Extraordinary Partnerships Book

8/9/2020

1 Comment

 
Lever Press has published a new pathbreaking book on the humanities, Extraordinary Partnerships: How the Arts and Humanities are Transforming America, edited by Christine Henseler, Chair of the Department of Modern Languages and Literatures and Co-Director of 4Humanities at Union College. Her "inspirative and hopeful collection demonstrates that the arts and humanities are entering a renaissance that stands to change the direction of our communities." (book jacket)

​Among the authors are Kim Cook of the Burning Man team, Ella Maria Diaz of Cornell University, Ari W. Epstein of Massachusetts Institute of Technology, Doris Sommer of Harvard University as well as Christina Lanzl of the Urban Culture Institute. Her essay, Toward a New Paradigm: Public Art and Placemaking in the Twenty-First Century, is featured in part 1 of the anthology, Toward a New Common Humanity: Creating Space, Context, and Moment.

Christina Lanzl, initiator and co-author of the Placemaking Manifesto, applies its six principles from her professional practice and research to highlight examples of extraordinary partnerships. These public art and placemaking initiatives, created in partnership with diverse communities, offer key insights, provide tips and offer potential for new endeavors.

The six principles anchored in the Placemaking Manifesto:

1. Placemaking = Quality of Life
2. Placemaking = A Sense of Place
3. Placemaking = Caring About the Community
4. Placemaking = Collaboration and Communication
5. Placemaking = Active Participation 
6. Placemaking = Tradition and Innovation

Publication:
Christine Henseler (editor). Extraordinary Partnerships: How the Arts and Humanities Are Transforming America. 
Amherst: Lever Press, 2020: 108-148.
The book is available as an open resource.
Abstract – "Toward a New Paradigm: Public Art and Placemaking in the Twenty-First Century" by Christina Lanzl
 

Quality of life and caring about community are at the core of a contemporary movement, which is increasingly becoming a grassroots-driven approach to consciously embrace the places we inhabit: Successful placemaking, the arts and culture––in short, ways for people to engage in public––are at the center of thriving, functioning neighborhoods. How can we create successful public places that provide all with powerful incentives for active participation? Which tools can we employ to ensure diversity and inclusivity? What kind of hands-on processes can be utilized? Are there universal platforms for discourse? Which creative activities and solutions produce improved, shared environments? This essay will look at strategies that encourage inclusive neighborhoods with ways to bridge the past, the present and the future. 

Placemaking activates our lived environment, offers cultural grounding and sense of place. Makers of all disciplines come together to think, plan, create and celebrate together. Storytelling is key to sharing community and place. Stories introduce ways to deal with difficult pasts, bridge differences and celebrate our common humanity. How are digital and social media as well as grassroots communication used to further community building? How can our built environment––architecture, open space, landscapes or parks, public art, and infrastructure be activated without being overbearing or becoming stale?

The new paradigm of placemaking is to eliminate professional boundaries, to bring together professionals with engaged citizens of all ages, backgrounds and abilities. Everyone can contribute to community, in both urban and rural contexts. Methodology and practice will complement case study examples to underline approaches and various perspectives. Experience shows that placemaking practice is overcoming the limitations of individual disciplines that have traditionally served to design and activate public spaces, such as architecture, urban design, landscape architecture, arts and community or social programs
1 Comment

Agustina Woodgate of Kulturpark Berlin in Whitney Biennial 2019

3/2/2019

1 Comment

 
Congratulations to Agustina Woodgate who is featured in the 2019 Whitney Biennial. Agustina was a team member of the Kulturpark Berlin team just a couple of years ago. Kudos also go to Anthony Spinello of Spinello Projects in Miami, the master mind behind our outreach and grassroots fundraising campaign. We overcame great challenges along the way but prevailed thanks to the incredible support of an amazing community of creatives on both sides of the Atlantic.

Agustina ran the Kulturpark radio station during our Kulturpark project at the Spreepark, the abandoned theme park in Berlin's east. The newly developed master plan for the park envisions the first culture park in Europe––a vision we initially developed. She has been continuing to broadcast worldwide via her radioee.net.
​

Download the 2019 Whitney Biennial Press Release.
1 Comment

Kinetic Facades: Inventive Architecture, Design, Fabrication at ABX Greenbuild

11/3/2017

0 Comments

 
Picture
Boston Exhibition and Convention Center
Wednesday, November 8, 2017, 11 am – 12:30 pm
​
​Architecture is typically associated with a sense of permanence, solidity and the perception that it stands still. At the same time, architects and engineers have been intrigued for centuries by more flexibility. They have attempted to mobilize elements, to create responsive facades that react to site conditions, microclimate and the users’ desires. Site conditions such as wind, sun and shadow or movement and the presence of spectators might be processed and visualized in moving parts as a process of kinetic response. Kinetic mechanisms are used in the engineering world to satisfy increasingly complex requirements of sustainability and in the art world to engage with buildings and the city. An interdisciplinary panel representing the fields of architecture, engineering, public art and fabrication will investigate case studies as well as the present and future of kinetic applications in facade design. Explored will be kinetic façade design, such as Logan Airport’s Central Garage West Expansion and insights on select projects by Arrowstreet, EXTECH, Ned Kahn, Asif Khan and soma, among others. The focus will be on projects that involve kinetic mechanisms, explore potential already realized and evolving visions. This panel is sponsored by the Placemaking Network of the Boston Society of Architects/AIA.
Kinetic Facades: Inventive Architecture, Design, Fabrication

Presenters
Christina Lanzl, Urban Culture Institute​ & BSA Placemaking Network (moderator)
David Bois, Arrowstreet
Anne-Catrin Schultz, Wentworth Institute of Technology
Kevin Smith, EXTECH

​
Session Objectives
• Examine the physical, environmental, social or
   psychological impacts of kinetic facades in the context of
   placemaking.
• Learn about the design, technology and fabrication of
   kinetic façades.
• Explore the integration of moving elements into
  architecture, such as features animated by the elements
  (wind/air, water), software and/or mechanics.
• Discuss the potential of kinetic facades for the future of 
  design.
0 Comments

Case Studies: Public Art and Architecture in Airports

9/18/2015

0 Comments

 
Picture
Oct 1, 2015 | 6–8pm
BSA Space, 290 Congress Street, Boston, MA 02210

Anyone who's passed through Logan Airport Terminal C’s Parking Lobby has witnessed first-hand the extraordinary, multi-sensory work of Christopher Janney and his team at PhenomenArts, Inc. Its design allows the audio experience to provide another dimension to place making and public art. This is achieved while also being fully integrated with the needs of a major transportation infrastructure.

Christopher and his professional colleagues will speak about their work in the US and Europe, including Logan Airport, Miami International, and the recently announced LaGuardia Airport renovation.
Participants on the panel:
- Christopher Janney, Artist/Director, PhenomenArts, Inc.
- Camille Bechara P.E., WSP | Parsons Brinckerhoff
- Christina Lanzl, PhD | Co-Founder, Urban Culture Institute

The evening is a program of the Urban Design Committee at the Boston Society of Architects. Please join co-chairs Paul Lukez FAIA, Patrick Tedesco AIA & Meera Deean for a lively discussion about the role of multi-sensory public art and architecture in contemporary Airports.

The event is free and open to the public. Refreshments will be served. To register send an email with "Urban Design Committee" in the subject line to rsvp@architects.org.
0 Comments

The Mather School Green Space Improvement Project in Dorchester

4/20/2015

1 Comment

 
The City of Boston is the proud home to one of the oldest public schools in the country: the Mather School. This exciting Green Space Improvement Project will result in the creation of a permanent public art installation with surrounding landscape improvements. The permanent project will be located at the Church Street entrance of the building. The area is highly visible, very active and serves as an important bridge between the school and the surrounding neighborhood. The aim of the project is to transform the existing greenspace and its surroundings into a more welcoming, comfortable public site and functional school entrance.

A search to find artists/designers for this project is currently underway. Artists, designers or teams comprised of an artist and a landscape architect are invited to forward their qualifications for this exciting public art and improvement project by May 22nd. As this is a historic site with many uses, collaborative teams of artists and landscape architects or a landscape architect with expertise in public art are particularly encouraged to apply. Preference will be given to local and regional applications.

This project is a collaborative effort between the City of Boston's Edward Ingersoll Browne Trust (BF), the Boston Art Commission (BAC), the Boston Public School Department, the Mather School Parent Council, and the Art Selection Committee of the Green Space Improvement Project. Christina Lanzl of the Urban Culture Institute is facilitating the project.

A $200,000 budget is anticipated. The project will be funded in part by the Edward Ingersoll Browne Trust Fund, a public charitable trust administered by the City of Boston Trust Office. Three shortlisted finalists will receive $3,000 honoraria for initial concept development and presentation.

Deadline for submission of qualifications is May 22, 2015 at 1:59pm EST. The full Request for Qualifications (RFQ) can be downloaded here. Contact Christina Lanzl, Urban Culture Institute, with questions related to the project.
Picture
1 Comment

Dinner in the Open Room or An Austin Travelogue

1/13/2015

1 Comment

 
Christina Lanzl

Having lived in the northern parts of the world, some of my best memories are of delicious summer picnics at scenic locales with friends or family. Of course, ants and other critters can overshadow these outdoor idylls, turning mishaps into anecdotes, retold as memorable stories at future occasions. My passion for eating outdoors stems in part from the depravations of the urban dweller lacking the amenities of a balcony, patio or garden. Hence, being invited to a potluck dinner at Open Room Austin by Susan Lambe and her team at Art in Public Places during a visit was a dream come true.


On approach, the spot's visual stimuli triggered many wonderful associations. I reveled in richly layered memories of childhood years spent in the verdant Bavarian countryside, visualizing our family home’s big garden and my grandfather’s farm orchard, where we picked fruits and berries all summer. To this day, I relish the inimitable taste of freshly picked, sun-warm strawberries, raspberries, gooseberries, and boysenberries or, roaming through the forest to pick wild blueberries for cakes and baking, lingonberries for preserves and chanterelles for dinner. Climbing up trees, I savored the crisp apples, juicy plums, pears and delicious cherries – my favorite – straight from the branches. Or how about those first radishes pulled from the ground and the carrots washed in the rain barrel for immediate consumption? There’s nothing like it.     

These thoughts passed through my mind as I was entering Austin’s well-appointed, public living room in a small park, surrounded by young trees that have to grow for another decade before casting shade on hot days. Having chosen the amenities of the city, the cultural richness and urban creativity over my former rural existence, I cherished this possibility of sharing a comfortable outdoor experience with others.

Like a scene out of a fairytale, a long dining table covered with a white lace tablecloth invites to be seated. Fabricated in powder-coated steel, the delicate fabric being frozen in rigid metal adds to its wonder and charm. At the four corners of this imaginary room, elegant, seven-arm chandeliers in matching color frame the ensemble. Realized by Miami-based artists Rosario Marquardt and Roberto Behar, the design responds to my own perpetual desire to find harmony and sense of place. This surely is a setting I want to revisit over and over again, probably like many neighbors and out-of-town visitors who happen upon the Open Room in this newly built park next to a new neighborhood on the north side of Austin’s Lady Bird Lake. If Open Room was mine, the only thing I would add is a little hedge or a white picket fence at the park’s edge for more comfort and as delineation for passing traffic.

On this balmy, early winter evening the warming rays of the Texas sun provide perfect outdoor conditions for a social gathering. About twenty artists, architects, planners and residents had followed the invitation to join this evening of food and conversation hosted in my honor. Two photographers capture the scene, Philip Rogers is one of them, a brilliant photographer known for his portraits of artists, on leave from his native Maine over the winter. As I look at the faces in his photos, I fondly remember our shared stories of successes and challenges similar to those of other cities I traveled to.

Two artists at the table recently designed bike racks, engendering Austin’s reputation as a forward thinking city that supports sustainable and creative life styles, while fostering innovation in design, public health and leisure activities. A muralist looks to work on more public art commissions. Concern is voiced over an ongoing public debate questioning the expense of a public art commission in the form of a security wall at the nearby electrical substation. With the richness of conversation, the potluck dishes in the center of the table remain mostly untouched until someone begins passing a few bowls. Eating seems less important, here and now, though someone tells of recent barbeque feasts.

As the sinking sun paints a glowing sky, our conversation turns to quiet reverie. A vivid palette ranging from deep orange to lavender marks the end of the day. Birds are singing their last evening song. Calm and gratitude for this lavish display of nature makes me feel at peace with the universe. The air turns chilly, so we bade our goodbyes, feeling richer and happier for what we shared.
1 Comment

Intermedialität im Brennpunkt: Medientransfer in der Kunst am Beispiel von Julian Opie

9/24/2014

0 Comments

 
Zahlreiche zeitgenössische Künstler bewegen sich in ihrer künstlerischen Entwicklung von einem Medium ausgehend zur Installation und Kunst im öffentlichen Raum, darunter Via Lewandowsky, Julian Opie oder Doug und Mike Starn. Diese Intermedialität zeigt sich besonders bei Künstlern, die im öffentlichen Raum aktiv sind und damit aus den „klar separierten ‚Monomedien’”[1] ausbrechen. Davon ausgehend untersuche ich das Phänomen der Intermedialität anhand des britischen Künstlers Julian Opie. Der 1958 in London geborene Künstler ist dokumentiert als der erste Künstler, der ausschließlich mit Software arbeitet. Er wird inzwischen als Vertreter der New British Sculpture angesehen, kam aber ursprünglich von der digitalen Malerei. Sein Werk umfasst außerdem Filme, Multiples, Musik und Texte.

Stand der Forschung
Intermedialität bezieht sich auf interdisziplinäre Beziehungen in Bildender Kunst, Literatur, neuen Medien und Kommunikationswissenschaften, wobei nach Schröter mindestens zwei Medien verlinkt werden, allerdings begrenzt er den Begriff auf Disziplinen, z.B. Fotografie und Text, Film und Malerei. Anwendbar ist die von Schröter in seinem Essay "Discourses and Models of Intermediality" aufgezeigte Gattung der „transformierenden“  Intermedialität, die „Prozesse der Repräsentation“ aufzeigt, d.h. die Repräsentation eines Mediums durch ein anderes.[2] Vor Schröter stellte Helbig bereits 1998[3] das Problem dar. Ryser stellte  eine umfassende Historie des Diskurses zusammen.[4] Grundsätzlich entsprang der Ansatz der Entwicklung neuer Medien wie Film und Digitalkunst, weshalb die vergleichende Forschung die Herkunft der Begrifflichkeit bisher nicht auf die Intermedialität zwischen den Genres der bildenden Kunst untersuchte.

Ausgehend von der Limitation der Medien- und Literaturwissenschaftler Schröter, Ryser, und Helbig schlage ich die Ausweitung der Intermedialität innerhalb der Kunstwissenschaft vor. Dieser Ansatz wird auch von Bennett unterstützt: "…works embody […] a tendency in contemporary practice to operate between media (and between all kinds of semiotic codes). The old descriptors of ‘mixed media’ and ‘appropriation’ are inadequate in the characterization of such practice, which is more readily captured by the concept of ‘intermedia’ – a term which implies more than the internal differentiation or mixing of media that occurs within art itself. Realized as the intersection of different practices, technologies, languages and sign systems, intermediality posits a broad transdisciplinary sphere of operation."[5] Wie Bennett bereits andeutet, bietet eine Erweiterung der Intermedialität auf die Kunstgattungen beim Vergleich des Transfers bildlicher Inhalte neue Ansätze. Opies Œuvre kann repräsentativ als Fallbeispiel für die Intermedialität von Fotografie, Malerei, Skulptur und anderen Medien gelten.

Die intermediale Digitalkunst Julian Opies
Die abstrahierten Digitalgemälde von Julian Opie entstanden seit 1997 intermedial als Glaskunst, Lichtkunst und Skulpturen. In München installierte er 2001 in Zusammenarbeit mit Andreas Horlitz[6] und der Mayer’schen Hofkunstanstalt zwei Schmelzglas-Porträts im WWK Versicherungsgebäude (Abb. 1, 2). Die Floatglassarbeiten stehen in enger Verbindung mit Porträtserien (Abb. 3) aus der gleichen Schaffensperiode mit dem Unterschied, dass die Farbgebung der Auftragsarbeiten mit Weiß und Schwarz auf das Minimalste reduziert ist. Ursprünglich angesiedelt in der Pop Art, interpretiert Opie den Alltag in seiner ausschließlich digital basierten Kunst. Seine Computergrafiken sind zeitgenössische Interpretationen der Porträtkunst und Malerei, gut dokumentiert sowohl in Monografien des Künstlers als auch in Ausstellungskatalogen.[7]  In Bezug auf die Intermedialität stellt Kliege zutreffend fest: „Ein einzelnes Motiv ist nicht mehr an einen Träger gebunden, sondern repräsentiert sich in allen möglichen Erscheinungsformen.“[8] Sie hält die Beobachtung fest, verfolgt die Sachlage der intermedialen Applikation aber nicht weiter.

Über sein bisher einziges deutsches Auftragswerk in Glas hinaus begann Opie seine LED-Installationen zu entwickeln, die sich ebenfalls auf die Konturen eines „Porträtierten“  beschränken und damit leicht übertragbar sind. Mit der LED-Kunst weitet Opie sein Repertoire weiter aus und bekräftigt seine Stellung als intermedial arbeitender Künstler. Seine tanzende Ann Dancing (Abb. 4) im Kulturviertel von Indianapolis wurde 2007 entlang des Indianapolis Cultural Trail platziert. Mit dem einfachen Mittel eines Bewegungsablaufs belebt diese in der Lichtkunst anzusiedelnde Animation den öffentlichen Raum sehr eindrucksvoll.

Zwei weitere Zyklen Opies stehen in intermedialer Beziehung zu den Lichtinstallationen. Die Skulpturengruppe Caterina dancing naked (Abb. 5) steht in direktem Bezug zu der LED-Animation Ann Dancing, wobei die verschiedenen Rahmen der Animation als Serie von Einzelfiguren in Form von großen Metallarbeiten verwirklicht, ausgestellt von der Lisson Gallery in London 2012. Ein weiteres Beispiel bietet Aniela Bathing 1 von 2013 (Abb. 6). Dabei handelt es sich zum einen Siebdrucke auf grundiertem Holz, die identisch mit verschiedenen Materialen in unterschiedlicher Größe realisiert wurden. Das Werk existiert als kleinformatiger Siebdruck von 50 mal 50 Zentimeter auf bemalter Holztafel sowie als auf Holzrahmen aufgezogenes Vinyl mit den Maßen 220 mal 100 Zentimeter.

Die vielfältige Materialität der Arbeiten Opies sind ein direktes Produkt des Digitalzeitalters, da mit Hilfe des “Originals” in Form einer Datei viele Produktionsmethoden eingesetzt werden können. Dabei verbleibt die Datei im Besitz des Künstlers, der sich per Vertrag verpflichtet wie viele mit der Datei realisierten Objekte jeweils existieren sollen. Die Kunst wird zum virtuellen Konstrukt. Zum intermedialen Ansatz der Skulpturen äußert sich Opie: "The trained movements of a ballerina allow me to find unlikely and perfectly balanced poses. By extruding the drawings in metal the images can be both signs on bollards and statues on plinths."[9] Der öffentliche Raum, zusammen mit dem privaten Kunstmarkt, bieten immer neue Möglichkeiten der Gestaltung, ein Umstand, der die digitale, kreative und intermediale Entwicklung der Künstler vorantreibt.

Bei Opie findet eine interaktive Wechselwirkung zwischen eigenständiger Arbeit im Atelier und Auftragskunst statt. Die Frage von Beziehungsgeflechten begleiten Überschneidungen zwischen ‚traditionellen’ Kunstgattungen (Malerei, Skulptur, etc.) und der Kunst im öffentlichen Raum. Opie arbeitet zeichnerisch und malerisch ausschließlich mit digitalen Anwendungen. Dabei findet ein fortwährender, intermedialer Dialog und Austausch zu grundsätzlichen Fragestellungen der Kunst und insbesondere deren Beziehung zur technischen und wissenschaftlichen Evolutionen statt.

Anmerkungen
[1]
Jens Schröter, "Discourses and Models of Intermediality," Comparative Literature and Culture 13, no. 3 (2011). 6.
[2] Siehe ibid. 1.
[3] ———, ed. Intermedialität - Analog/Digital: Theorien, Methoden, Analysen (München: Fink, 2008).
[4] Vera Ryser, "Intermedialität," in Transdisziplinarität: Eine Bestandsaufnahme des Forschungsdiskurses (Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK), Departement für Kulturanalysen und Vermittlung, 2011). blog.zhdk.ch/trans/intermedialitat
[5] Jill Bennett, "Aesthetics of Intermediality," Art History Vol. 30, no. 3 (Jun. 2007). 434.
[6] Andreas Horlitz (geb. 1955, Grafik, Fotografie und Glasmalerei, lebt und arbeitet in Berlin und München.
[7] Siehe die Veröffentlichungen und Ausstellungskataloge:
Julian Opie: Daniel – Yes, Christine - No. München: Lenbachhaus, 1999.
Julian Opie. Julian Opie: Wallpaper, 2002. Kunst und Texte inspiriert von einem Bali-Urlaub mit Frau und Tochter.
Kliege, Melitta. Julian Opie. Nürnberg: Verlag für moderne Kunst, 2003. (Ausst.Kat. Neues Museum).
Peter Noever (Hrsg.): Julian Opie: 1958 - recent works [Publikation anlässlich der Ausstellung „Julian Opie. Recent Works“, Museum für angewandte Kunst, MAK Wien, 11. Juni - 21. September 2008]. Ostfildern: Hatje Cantz, 2008.
[8] Kliege, Julian Opie. Museum für Neue Kunst, Nürnberg, 147.
[9] "Julian Opie: Top Five," Dazed Digial. 2012.
0 Comments

Blue Trees: Eine temporäre Kunstinstallation von Konstantin Dimopoulos

7/24/2014

0 Comments

 
Dr. Christina Lanzl

Ein Dutzendmal in den letzten drei Jahren hat der australische Künstler Konstantin Dimopoulos auf drei Kontinenten seine Blue Trees-Installationen realisiert. Für das Projekt stellen Partnerorganisationen oder Städte Baumbestände zur Verfügung, deren Stämme der Künstler mit einem ultramarinblauen Farbmittel versieht. Verwirklicht wurde das Werk erstmals in Canada für die Vancouver Biennale 2011.

Das Konzept sieht Wiederholung und Dichte innerhalb der Gesamtwirkung vor. Üblicherweise wählt Dimopoulos 20 bis 30 Bäume aus, er hat aber auch schon eine Vielzahl von Pflanzbäumen künstlerisch transformiert. Diesen Ansatz realisierte der Künstler 2013 in Houston und für das City of London Festival im Park an der St. Pauls Cathedral. Dimopoulos’ Ideal sind ausgewachsene Baumbestände, wo die Pflanzung in relativ kurzer Entfernung voneinander mit sich wiederholenden Abständen steht. Der Künstler entwickelte das verwendete Farbmittel speziell für die Blue Trees. Es ist keine Farbe im herkömmlichen Sinn, sondern ein umweltfreundliches Pigment, das mit Wasser vermischt wird. Der Regen oder ein mittelstarker Wasserstrahl wäscht es wieder ab.

Auch in Deutschland haben sich Künstler mit Farbauftrag auf Baumstämmen beschäftigt. Bereits 1993 gestaltete der Künstler Stefan Pietryga die tiefblaue Pappel-Westwind, die als dauerhaftes, langsam zerfallendes Kunstwerk konzipiert war. Der Kunstverein Gelsenkirchen hatte das Projekt „Kunst am Baum“ für den Gelsenkirchener Kunstsommer initiiert. Auch Pietryga verwirklichte sein Konzept in anderen Städten, zum Beispiel im Skulpturenpark am Schloss Wolfsburg. Josefine Günschel realisierte ihre Kunst am Baum in der Wisbyer Street in Berlin Pankow 2007/08. Die Berliner Künstlerin ließ sich für innenhaut – aussenhaut / inner skin – outer skin von Tapetenmustern verschiedener Jahrzehnte inspirieren, die durch weiße Stammschutzfarbe auf die Rinden von acht Stadtlinden als kontrastreiche Grafiken entlang der Stämme verwirklicht wurden.

Dimopoulos schafft für beschränkte Zeit eine poetische Wahrnehmung, die die Betrachter bezaubert und den Blick für Veränderungen in der Umwelt schärft. Blue Trees soll Denkanstöße zur Verletzlichkeit der Erde und der Gefährdung unserer Wälder durch den Menschen und durch Umwelteinflüsse bieten. Dazu schreibt Dimopoulos: „Die Blue Trees ziehen ein in unser gewohntes urbanes Umfeld und tauchen es für begrenzte Zeit in ein ungewöhnliches, surreales Licht. So schärfen sie unseren Blick für Veränderungen in der Umwelt. Als Menschen lieben wir die Gewohnheit. Wenn sich unsere Umgebung verändert, empfinden wir dies oft als Belastung oder Bedrohung. Und doch verändert und zerstört der Mensch die Umwelt jeden Tag. Jährlich verschwinden weltweit große Waldflächen ohne Aussicht auf Wiederaufforstung.“

Das Konzept der Blue Trees ist verankert im Gesamtzusammenhang der Frage, ob Kunst die Welt retten kann. Wohl kaum, aber durch die Kunst können Fragen aufgegriffen und ein weltweiter Diskurs hergestellt werden. Mit Kunst können soziale Themen aufgearbeitet und das Umweltbewusstsein gefördert werden. Letztlich ist es Aufgabe aller Menschen, besonders aber der Sachverständigen und der Politiker, erfolgreiche Strategien zur Sicherung unseres Lebensraums zu entwickeln.

Die aktive Einbindung der teilnehmenden Gemeinden ist angestrebt. Auch freiwillige Helfer können zum Einsatz kommen, u.a. in Houston, Texas, wo die Installation 2013 von der Arts Alliance in Auftrag gegeben wurde. Bei diesem bisher größten Projekt wurden 600 Bäume mit Pigment versehen. Jonathon Glus, der Arts Alliance Vorstand merkte an: "Die Blue Trees Installation in Houston, Texas war außerordentlich erfolgreich. Das Werk hat viele neue Möglichkeiten und Energien in unserer Stadt freigesetzt – viel mehr als wir uns bei dem kleinen Budget erhofft hatten. Über zwei Hundert ehrenamtliche Helfer inklusive unseres Bürgermeisters verwandelten lebende Bäume in blaue Riesen. Dabei änderten sie deren Wahrnehmung von einer alltäglichen Selbstverständlichkeit zu einer würdigenden Anerkennung."

Ähnlich Christo stellt Dimopoulos mit den Blue Trees den Standort und den örtlichen Bezug zur Bevölkerung immer in den Mittelpunkt. Künstler und Raum werden so zum gegenseitigen Bezugspunkt und kulturellen Großereignis. Christo, der mit seinen Verhüllungsaktionen in Städten und Landschaften zeitlebens rund um den Erdball die Öffentlichkeit in Bewegung setzte, realisierte 1969 an der Südküste Australiens zusammen mit 130 Helfern sein erstes von zahlreichen Verhüllungsprojekten. Für sein Werk – insbesondere die Verhüllung des Berliner Reichstags 1995 – erhielt der Künstler 2014 den deutschen Theodor Heuss Preis.

Die Blue Trees als auch andere temporäre Kunstinstallationen bieten ein attraktives Angebot für eine zeitlich beschränkte, kulturelle Gestaltung des Außenraums. Die Betrachter können so einen Ort anders erfahren und neu erleben. Damit tragen die Träger und Künstler zur Bereicherung unseres Lebensraums und einer erhöhten Lebensqualität bei.

0 Comments

Constructive Anarchy: (Re-)Constructing Urbanity

1/6/2013

0 Comments

 
PictureKulturpark performance on June 30, 2012
In 2012, the Urban Culture Institute co-sponsored the Kulturpark project. Movements have always been a tool to employ artistic talent that further causes or desires. In contemporary culture, public space has become an open canvas for vibrant self-expression, simultaneously awing society or deplorable nuisance at its worst. German philosopher Immanuel Kant first defined the romantic notion of anarchy embodying freedom as “law and freedom without violence” in his essay Freiheit und Gesetz. Anarchist art embodies expression of the irritating, a defiance of accepted standards, ethics and moral values. This work exists at the underbelly of society, leering to bring change and establish the new society of tomorrow in ongoing transformative processes.

Rejecting the rules of the established art world, some of the most prominent icons of urban subculture have risen to international acclaim. Banksy, Shepard Fairey, Jean-Michel Basquiat and Keith Haring come to mind. Particularly graffitists’ work lends itself to consumer transfer because the two-dimensional format fits established, quantifiable norms. Underdogs of society––sometimes self-declared––launch their hauntingly original, passionate pursuits out-of-sight, typically in defiance of the law. Some rise to stardom within the counterculture by word-of-mouth, eventually exposed by curators and other talent scouts close to the ‘scene’, though this leap from the illegal to legality can take a heavy toll on the artist: fame and fortune may be closely tied to arrests, lawsuits and other animosities.

The Kantian, anarchist spirit pervaded the performative Love Parades with millions of participants, publicly mocking established, bourgeois society in a counter-culture celebration of hip-hop, gay and lesbian life-styles. Held annually in urban centers around the world as an open-air electronic dance music festival and parade until 2010, Love Parade originated in West Berlin, just months before the fall of the wall in 1989. The timing alone speaks volumes of the free spirit that had entered the divided city on both sides of the wall.


Love Parade was loved and hated by city officials because the crowds typically numbered hundred-thousands to millions, wreaking havoc on city parks and public facilities during a boundless, enthusiastic propulsion of joy and world peace. San Francisco’s five LoveFests (LovEvolution 2009) organized between 2004 and 2009 were Love Parade’s American sister events, paralleled by dozens of others in cities around the world including Sydney, Mexico City, Santiago and Caracas. A crowd rush at the 2010 festival in Duisburg, Germany caused the death of 21 revelers and injured hundreds, leading to permanent termination by the organizers. Ergo, free-flowing (anarchist) organizational patterns ultimately collapse in panic situations due to the instinctive actions by the individual.

How do societies function and organize themselves? This question increasingly occupies the public and all sectors from government to economy to academic circles, including artists. Our digitally connected, crowd-sourced society engages in redefining place particularly in urban culture. All statistics and global population trends confirm urbanity is the prescribed lifestyle of the future. Urban centers are closely tied to economic conditions and market driven forces, resulting in the type of situations the creative class thrives on. Abandoned or inequitable real estate conundrums inspire artists to investigate and take action outside of prescribed administrative routines, because they do not sit at the table with wealth or power.

Pockets of creative spirit emerge from unexpected corners to invite and invent new models for revitalizing public space. Case in point: members of the artist collaborative Elsewhere of Greensboro, NC visited friends in Berlin a few years back and climbed the fence to Spreepark, a prime green space that had been an amusement park, but closed to the public in 2001 following an international drug-related incident. As a result, a financial institution owns the land, the former owner has been fulfilling his prison-sentence, and the courts ruled that the rides could not be operated to make a profit. At the short end of the deal have been abutting neighborhoods and the citizens of Berlin, now without access to an important park and riverfront property.

Elsewhere’s breach of security, an sheer act of defiance during a magical, snowy winter’s night led to a brilliant plan: to reactivate Spreepark as a cultural venue, a Kulturpark, in a “proposal to re-activate Spreepark as a site for cultural imagination and exchange." The Kulturpark model proposes responsible cultural life and creative ecology for the 21st Century. The project explored physical, social, and collaborative movement. Kulturpark suggested "a future for the park as an evolving constellation of our shared past and presence.”

The Kulturpark program for Spreepark promised much: in June 2012, visionaries participated in a three-week creative camp to develop their projects, shared a collaborative process, exchanged skills, and explored sustainable approaches to urban transformation. Programming included a series of public workshops and conversations, hosted both in Spreepark and around its perimeters. Mentoring took place by involving teams of university students in an international exchange program. The students served as visionary crews to engage and contribute to the dialogue. They, as well as the professional artists from the Berlin region, also installed works. The program fostered interdisciplinary relationships between Berlin-based creatives and student groups for learning skills, modeling systems, and broadening possibilities. Kulturpark took place in conjunction with the Berlin Biennial, which also focused on the topic of anarchy and community-driven change, instigated by the political change during the Arab Spring. The events offered a public, interactive experience of the park that explored and proposed possibilities for a permanent preservation and transformation of this site into a public culture park.

Is the concept of anarchism in art replacing the notion of the creative avant-garde, particularly if the latter is heavily driven by market-forces? To investigate the question of “planning unplanned” the research platform www.urban-matters.org was established at the university of Vienna in spring 2011 by the artist-architect team of Babara Holub and Christine Hohenbüchler. Holub’s outlet Transparadiso has been organizing free-form participatory public art happenings for many years and published essays on questions of anarchy, including her “On Direct Urbanism and the Art of Parallel Strategies”.[1] Exploring non-conformist art-making practices is a key urban matters objective of critical inquiry, supported by a special project initiative to invite a non-institutional entity with a strong political interest in questioning existing structures. Their projects are shared as features for putting forward concrete approaches towards reconsidering existing systems of values and for change.

After all, making and leaving marks is a basic human need––an urge that has been documented, ever since our Paleolithic ancestors entered the caves of Lascaux. While the players or artists may change over time, an argument can be made for community-driven art-making, because it offers a vivid platform for grassroots tactics in action that fosters cultural progress. •••
Christina Lanzl

[1] transparadiso. "On Direct Urbanism and the Art of Parallel Strategies", Open, 2007 (Number 12). 137-144.


0 Comments

Die Ausstellung Ends of the Earth: Land Art bis 1974

11/4/2012

0 Comments

 
Haus der Kunst, München in Zusammenarbeit mit Museum of Contemporary Art, Los Angeles
kuratiert von Philipp Kaiser und Miwon Kwon
bis 20. Januar 2013
Blog von Dr. Dieta Sixt

Als erste große Museumsausstellung über Land Art liefert „Ends of the Earth“ den bisher umfassendsten historischen Überblick über diese Kunstbewegung. Die rund 200 Arbeiten von über 100 Künstlern zeigen, dass Land Art kein vorrangig nordamerikanisches Phänomen ist.

Die Ausstellung stellt Werke vor, die weniger bekannt sind als die internationalen Arbeiten „Spiral Jetty“, „Lightning Field” oder „Double Negative”. Damit vollzieht sie einen Perpektivenwechsel.   Der zeitliche Rahmen von “Ends of the Earth” erstreckt sich von den 1960er-Jahren bis 1974, als sich im Kontext von Land Art Strömungen wie Konzeptkunst, Minimal Art, Happening, Performancekunst und Arte povera stärker herausbildeten und auseinander bewegten.

Die rund 200 Arbeiten von über 100 Künstlern aus Australien, Brasilien, Deutschland, Frankreich, Großbritannien, Island, Israel, Kanada, Japan, den Niederlanden, den Philippinen und der Schweiz zeigen, dass Land Art kein vorrangig nordamerikanisches Phänomen ist. Die Ausstellung stellt Werke vor, die weniger bekannt sind als die bekannten Arbeiten “Spiral Jetty”, “Lightning Field” oder “Double Negative”. Damit vollzieht sie einen Perspektivwechsel.

Bereits vor der eigentlichen Entstehung der Strömung in den 1960er-Jahren spürten Künstler an den verschiedensten Orten der Welt verstärkt den Wunsch, das Land in Anspruch zu nehmen und mit der Erde zu arbeiten. In einem elementaren Sinn schloss dies die Auseinandersetzung mit der Beschaffenheit der Erde als Planet mit ein. Yves Klein z.B. fragte sich, wie die Erde wohl vom Weltraum aussieht. Seine Vision, dass aus dieser Perspektive die vorherrschende Farbe Blau wäre, und dass mit Blau sämtliche vom Menschen geschaffenen Grenzen überwunden werden können, setzte er 1961 mit seiner Serie der “Planetary Reliefs” um.

Oft operierten die Künstler der Land Art direkt unter freiem Himmel. Dass die freie Natur andere Bedingungen für die Lebensdauer eines Werkes vorgab als geschlossene Räume, nutzten die Künstler produktiv. Manche Werke existierten nur für die kurze Zeit ihrer Ausführung, wie Judy Chicagos ephemere Arbeiten mit farbigen Flammen und Rauch, die Bezug auf religiöse Zeremonien und auf die Landschaft als eine Gottheit nahmen. Für zehn Wochen verhüllten Christo und Jeanne-Claude die Küstenfelsen in Little Bay, Sydney mit Kunststoff und Seilen; “Wrapped Coast – One Million Square Feet” hatte – wie andere Werke der Land Art auch – gewaltige Ausmaße. Ein weiteres berühmtes Werk von ähnlicher Ausdehnung ist “Spiral Jetty” von Robert Smithson: Am Great Salt Lake in Utah, USA baute der Künstler aus dort gefundenem Material eine spiralförmige Landzunge von 1.500 Fuß Länge.

Die Künstler der Land Art waren von abgelegenen Orten wie z.B. Wüsten fasziniert. Hreinn Fridfinnsson konstruierte ein Haus auf einem unbewohnbaren Lavafeld in der Nähe von Reykjavik, Island. Innen war es aus Wellblech und außen tapeziert. Denn da Tapeten das Auge erfreuen sollen, sei es “vernünftig, sie außen anzubringen, wo mehr Leute sie genießen können.” Einige Künstler übertrugen die Beschaffenheit bestimmter Orte in den Ausstellungsraum: Die japanischen Künstler der Gruppe “i” brachten vier Lkw-Ladungen Schotter per Fließband in den Ausstellungsraum und schütteten ihn dort zu einem Haufen auf.

Alice Aycock füllt ein minimalistisches Raster mit feuchtem Lehm. Diese Arbeit ist für die Ausstellung im Haus der Kunst neu produziert; der Lehm wird im Laufe der Wochen trocknen, Risse bekommen und allmählich der Erde im kalifornischen Death Valley ähneln. Mit “Hog Pasture: Survival Piece #1″ (Schweineweide: Survival-Stück Nr. 1, 1970-71/2012) hält zusätzlich zur Materie, in diesem Fall eine grüne Weidewiese, auch ein lebendiges Hausschwein Einzug ins Museum, das von Zeit zu Zeit auf der Wiese grasen wird.

Von Anfang an setzten sich auch Sammler, Mäzene, Kunsthändler und Kuratoren einfühlsam mit der Frage auseinander, welche Produkte der Land Art man in einer Galerie oder einem Museum ausstellen konnte, und auf welche Weise dies geschehen sollte. So haben sie dazu beigetragen, Land Art als legitimes künstlerisches Genre zu etablieren. Im Fall von Robert Smithsons “Spiral Jetty” unterstützte ein Kunsthändler die Produktion eines dazugehörigen Filmes, und das Werk existiert nun in drei Ausführungen: in der ortbezogenen Version als Landzunge, als gleichnamiger Essay und als Film. Smithson selbst sah alle drei, Erde, Sprache und Film, als gleichwertig an.

Überhaupt spielen Sprache, Film und auch Fotografie bei der Entstehung und Entwicklung von Land Art eine zentrale Rolle. Die Künstler der Land Art und die Medien gingen eine enge Verbindung ein. Magazine und Fernsehsender gaben künstlerische Arbeiten in Auftrag und veröffentlichten sie als Erste. Legendär ist Gerry Schums “Fernsehgalerie”, der ersten für das Fernsehen geschaffenen Ausstellung, erstmals ausgestrahlt vom Sender Freies Berlin am 15. April 1969. Im Oktober desselben Jahres unterbrach der WDR acht Tage lang jeweils um 20.15 und 21.15 Uhr das reguläre Programm für einige Sekunden und zeigte eine der acht Fotografien der “Selbst-Beerdigung” von Keith Arnatt. Hintereinander betrachtet zeigen die Bilder, wie Arnatt schrittweise im Boden versinkt. Der Sender verzichtete darauf, dies durch eine Einführung oder einen Kommentar zu begleiten.

Nach der Präsentation von Tinguelys sich selbst zerstörender Skulptur “Hommage à New York” beauftragte der Fernsehsender NBC den Künstler mit einer Arbeit. Tinguely schuf gemeinsam mit Niki de Saint-Phalle eine große kinetische Skulptur aus Abfall, den er in und um Las Vegas fand. Die Skulptur wurde für choreografierte Explosionen verwendet, inszeniert südwestlich von Las Vegas in der Nähe eines nuklearen Testgeländes. Tinguelys Spektakel wurde in derselben Nachrichtensendung ausgestrahlt wie ein großer Beitrag über die internationalen Atomwaffengespräche, die in derselben Woche stattgefunden hatten.

Zahlreiche andere Werke berühren das Thema, dass “die Erde selbst verwundet wird”, wie es Isamu Noguchi formuliert hatte. Die Künstler der Land Art beschäftigten sich mit den Wunden und Narben, die der Mensch dem Planeten Erde zufügt, sei es durch Kriegsmaschinerie (Robert Barry, Isamu Noguchi), Diktaturen (Artur Barrio), Atomtests (Heinz Mack, Jean Tinguely, Adrian Piper) oder Besiedelung (Yitzhak Danziger). Die intensive Begleitung der Land Art durch die Medien führte zu ungewöhnlichen und komplexen Beiträgen. Aufgeschlossen für die Forderung der Land Art nach einem sensiblen Bewusstsein für die Bedingungen von Produktion, Präsentation und Verbreitung von Kunst, verliehen sie gleichzeitig den technologischen, gesellschaftlichen und politischen Umständen der Zeit Ausdruck.

0 Comments

    Urban Culture Institute

    The Urban Culture Institute
    ​works with diverse communities to transform civic spaces into meaningful, dynamic places. Our award-winning practice is committed to excellence in the arts and culture. 

    Archives

    May 2021
    August 2020
    June 2020
    January 2020
    November 2019
    June 2019
    March 2019
    November 2018
    April 2018
    March 2018
    November 2017
    October 2017
    September 2017
    June 2017
    April 2017
    February 2017
    January 2017
    June 2016
    April 2016
    February 2016
    December 2015
    September 2015
    August 2015
    June 2015
    April 2015
    February 2015
    January 2015
    September 2014
    July 2014
    April 2014
    September 2013
    July 2013
    March 2013
    January 2013
    November 2012

    RSS Feed

    Categories

    All
    Airport Art
    Anne-Catrin Schultz
    Art
    Art In Architecture
    Art-in-Architecture
    Artists Help Desk
    ARTitecture
    Arts And Culture
    Arts And Technology
    Art Tour
    ArtWeek Boston
    Austin TX
    Blue Trees
    Book Talk
    Boston
    Boston Center For The Arts
    Boston Creates
    Boston Society Of Architects
    BSA Space
    Campus
    Chelsea Art Walk
    Chelsea MA
    Christina Lanzl
    Christine Henseler
    Christopher Janney
    Dendroids
    Department Of Architecture
    Dieta Sixt
    Digitalkunst
    Diller+Scofidio
    Durig & Rami
    Edward Ingersoll Browne Trust Fund
    Einstein Tower
    Erich Mendelsohn
    Exhibition
    Facade
    Fort Point Arts Community
    Fort Point Tech & Art Tour
    Forum
    FPAC
    Friends Of Fort Point Channel
    Guarracino Family Gallery
    Historic Fort Point
    ICA Boston
    Imagine Boston 2030
    Institut Du Monde Arabe
    Institute Of Contemporary Art/Boston
    Jean Nouvel
    Josefine Günschel
    Julian Opie
    Julie Burros
    Kinetics
    KMD Architects
    Konstantin Dimopoulos
    Kulturpark
    Kunst Im öffentlichen Raum
    Land Art
    Landing Studio
    Materialitaet
    Mather School
    Medien
    MIT Museum
    Ned Kahn
    Open Room Austin TX
    Patrick Dougherty
    Peabody Essex Museum
    Placemaking
    Port Park
    Projection Mapping
    P+ Studio
    Public Art
    Richard Bertman
    Richard McGuinness
    Roxy Paine
    Sculpture
    Soma
    Stefan Pietryga
    Steven Holl
    Stickwork
    Storefront For Art And Architecture
    The Blue Trees
    Urban Culture Institute
    UrbanScreen
    Vancouver Biennial
    Vito Acconci
    WBUR
    Wentworth
    Whitney Biennial

Proudly powered by Weebly